У 2020 році стіни будинків прикрашають картини, на асфальті в парках по всьому світу зустрічаються дивовижні шедеври, а в інтернеті активний інтерес викликає творчість художників, що створюють дивовижні твори в жанрі оптичної ілюзії. Яскравим представником напрямки є український живописець Олег Шупляк, чиї творіння «з подвійним дном» далеко не відразу розкриваються в повній красі перед смотрящим.
Але не тільки сучасні майстри пензля здатні вразити уяву цінителів живопису власними роботами, адже історія образотворчого мистецтва знає і інші приклади цікавих шедеврів - загадкових і відверто дивних, оповитих легендами або змушують людей напружено вдивлятися в побачене.
Цього разу редакція 24СМІ розповість про самі незвичайні картини, створені художниками минулого.
«Явище особи і вази з фруктами на березі моря»
Раз на початку мова вже зайшла про живопис, в якій оптична ілюзія стала невід'ємним елементом композиції, де, як в роботах художника Шупляк, зображене дерево здатне стати одночасно абрисом голови, а листя - перетворитися в горобця на гілці, не можна забувати і про Сальвадора Далі. Цей іспанець став першим представником близького до сюрреалізму стилю метаморфоз, який знайшов відображення не тільки в живописі та графіці майстра, але і в створених ним скульптурах.Окремий інтерес представляє написане олією полотно Далі зі своєрідним назвою «Явище особи і вази з фруктами на березі моря», повністю, однак, що відображає суть того, що відбувається на картині безумства перетворень. Глядач бачить на перший погляд звичайний натюрморт, де в центрі композиції розташована біла ваза з фруктами. Її ніжка раптово постає як перенісся гротескного, але красивого людського обличчя, зверху окресленого чи волоссям, то чи піщаним пляжем, а то і зовсім гірською грядою з розташованим біля підніжжя містом. Придивившись, уважний поціновувач живопису знайде на полотні ще й пару собак.
Пізніше по «шляху метаморфоз» у творчості пішов і мексиканець Октавіо Окампо, який прославився своїми картинами-загадками в жанрі сюрреалізм.
«Старий рибалка»
Так і не визнаний на батьківщині угорський художник-самоучка Тивадар Костка Чонтварі, який мав славу божевільним через дивацтв в спілкуванні і поведінці, а також схильності до аскетизму, більшу частину життя писав в стилістиці експресіонізму. Однак звертався в своїх творах і до символізму упереміш з міфічним сюрреалізмом, і до магічного реалізму.
Писав як приземлені, так і вражали уяву незвичайні полотна, але не знайшов розуміння угорський аптекар, самостійно осягнув премудрості образотворчого мистецтва після раптового осяяння, за життя популярності не добився і не продав жодної роботи.
Ось і загадку, що таїться в написаній талановитим угорцем в 1902 році картині «Старий рибалка», розгадали вже після смерті майстра. На початку минулого століття навряд чи кому спаде на думку думка докласти до полотна із зображенням спирається на палицю старого, що віддалено нагадує пошарпаного пугача, дзеркало.
А адже після нескладних маніпуляцій стає очевидною задумка автора: в кожній людині заховані два начала, як божественне, так і демонічне, і тільки від нього самого залежить, яка сторона візьме верх в безперервній боротьбі.
«Міст Ватерлоо. Ефект туману »
Цікаві і оригінальні твори знайдуться і в творчій скарбничці Клода Моне, який став одним з основоположників імпресіонізму і не кинув писати навіть після двох операцій на очах. Серед представників жанру Моне, як ніхто інший, прагнув до досягнення граничної реалістичності власних творінь, тому багато часу приділяв експериментів з різними техніками і образотворчими прийомами, домагаючись необхідної достовірності візуальних ефектів.Гранична реалістичність характерна і для його роботи «Міст Ватерлоо. Ефект туману ». Немов насправді обплутаний ватно-щільними, непроникними для погляду клаптями, глядач, поблизу котрий розглядає полотно, спочатку не в силах розібрати на ньому нічого, крім нанесених маслом мазків.
Тільки зробивши пару кроків назад, цінитель зуміє виявити проступають крізь туманний саван невиразно-повітряні і ніби створені з збитою молочної піни контури, поступово складаються в цілісну композицію. Тут і обводи простягнувся над Темзою Лондонського мосту, і нерухома гладь води, і що ковзають по ній ледь помітні силуети човнів, що символізують динаміку життя в застиглої реальності картини.
«Нічна тераса кафе»
Як і у випадку зі «Старим рибалкою», буває, що за зовнішньою простотою зображеного художником на полотні пізніше виявляють щось приховане, недоступне при першому погляді. Так сталося і з полотном «Нічна тераса кафе», у вересні 1888 року створеним Вінсентом Ван Гогом, незвичайні картини якого досі переписують гуашшю і маслом бажаючі осягнути авторські образотворчі прийоми.
Сам нідерландський художник, який працював переважно в стилістиці постімпресіонізму і прославився при житті не стільки картинами, скільки неоднозначними вчинками (один з яких, імовірно, і привів до його смерті), не терпів буденності. І в даному творінні Ван Гог теж зумів в нехитрої, як здається глядачеві, композиції уникнути банальності.
«Нічну терасу кафе», в якій спочатку мистецтвознавці вбачали тільки вплив полотна «Авеню де Кліші ввечері» француза Луї анкету, звичайно, відрізняє дивовижна техніка написання. Адже при створенні картини, що зображає ніч, Ван Гог не використовував ні грама чорної фарби. Але примітна вона не цим.
Пізніше, вивчаючи композицію, дослідники помітили в ній відсилання до знаменитого полотна Леонардо да Вінчі «Таємна вечеря». На прихований сенс, на думку експертів, вказує як дивна туніка офіціанта в кафе, що стоїть на тлі утворюють хрест перекриттів віконної рами, так і число відвідувачів, в яких вже неважко угледіти 12 послідовників релігійного вчення Христа.
Портрет Марії Лопухиной
Серед всіляких шедеврів образотворчого мистецтва знайдуться і ті, що набули статусу дивних не завдяки незвичайним формам відображених на них предметів (які змушують довго шукати в картині істинний сенс і неабияку задумку), а через пов'язаних з полотнами чуток і легенд. Приклад такої художньої роботи - зображає померла від сухот в 1803 році Марію Лопухіну картина Володимира Бородинівська, російського портретиста, який жив в XVIII-XIX століттях і писав лівою рукою.Створене в 1797 році членом Імператорської академії мистецтв полотно зовні мало чим здатне здивувати. Хіба що вражаючою реалістичністю і портретною схожістю. Зате примітна картина поганою славою, ходить навколо неї.
Так, розповідали, що портрет красивої дівчини відбирає молодість у юних дів, глянувши на нього, і навіть зводить в могилу. Причину шкідливості творіння, що відправив (за словами салонних пліткарки) на той світ не менше десятка спадкоємиць дворянських прізвищ, шукали в тому, що мав славу знавцем містичних справ батько Лопухиной, Іван Толстой, зумів заточити дух померлої дочки в полотно. Тільки придбання Павлом Третьяковим портрета в колекцію змусило погані чутки стихнути.
«Крик»
Творчість з'явився на світ в 1863 році норвежця Едварда Мунка наповнене мотивами самотності і передсмертної туги, дивним чином поєднуються з вражаючим прагненням до життя. Роботи художника, який перебуває в число перших прихильників експресіонізму, неодноразово ставали предметом запеклого обговорення і засудження критиків і колег. Разом з насиченою особистим життям, що буяє стресами через проблеми в любовних відносинах, це призвело в результаті Мунка в психіатричну клініку.
Можливо, черговий напад маніакально-депресивного розладу, від якого страждав автор, і знайшов відображення в найвідомішому його творі - картині «Крик». Це полотно, за визнанням ряду цінителів образотворчого мистецтва, поблизу залишає тяжке враження непереборної безвиході.
Згідно що ходять навколо цієї роботи легендам, все люди, так чи інакше контактували з картиною, погано закінчили. Власники нібито розорялися і вмирали. Два співробітника музею загинули (один наклав на себе руки, а інший потрапив під машину) після того, як упустили шедевр Мунка. Також якийсь чоловік, який тримав в руках цей витвір мистецтва, заживо згорів всього через день.
«Апофеоз війни»
Зустрічаються незвичайні картини, подібно до «Крику» Мунка занурюють дивиться на них глядача в сумні думки. Вони змушують бачити і той зміст, який, ймовірно, автор зовсім не вкладав у власне творіння. Так, непрості почуття охоплюють і людини, що дивиться на полотно російського художника-баталіста Василя Верещагіна «Апофеоз війни».
Художник не тільки поблизу спостерігав ряд військових конфліктів, що випали на долю Російської імперії в другій половині XIX століття, але також брав участь в бойових зіткненнях і мав поранення. Та й загинув Верещагін, чия творчість ввібрала доблесть російських солдатів і офіцерів, а також непривабливу трагедію збройної бійні, під час Російсько-японської війни. Художник підірвався разом з броненосцем «Петропавловськ» на ворожій міні 13 квітня (за новим стилем) 1904 року.
«Апофеоз війни» сам творець з сумним сарказмом назвав «натюрмортом», на якому відображена «мертва природа». Тема смерті і відчаю, незмінна при будь-якій війні, чітко видно в горі черепів, що підноситься на передньому плані картини. У жовтих барвах, що відображають хворобливість композиції. У кволих, позбавлених життя деревах. У вишукують, чим поживитися на цьому могильнику, ворон. І в зруйнованому місті, що бачиться німим докором яка погрузла в війнах людству.
Але найдивніше те, що, як визнають мистецтвознавці та шанувальники, якщо тривалий час вдивлятися в полотно, глибина і емоційність картини починають проникати всередину глядача. І за кожним понівечених черепом він починає бачити окрему скалічену долю, обірвану чужою волею. Відірватися від «мертвого натюрморту» з кожною хвилиною стає тільки важче.