I 2020 er husene i husene dekorert med malerier, fantastiske mesterverk finnes på asfalten i parkene rundt om i verden, og kunstnerens arbeid som skaper fantastiske arbeider i den optiske illusjonen. En lys representant for retningen er den ukrainske maleren Oleg Sheuplyak, hvis kreasjoner "med en dobbel bunn" ikke umiddelbart avsløres i fullstendig herlighet før du ser.
Men ikke bare moderne mestere av børsten er i stand til å slå fantasien til kjennere av maleri av sine egne verk, fordi historien til den visuelle kunsten kjenner andre eksempler på nysgjerrige mesterverk - mystisk og ærlig merkelig, innhyllet legender eller tvinger folk til peer i den sett.
Denne gangen vil redaktørene på 24CMI fortelle om de mest uvanlige maleriene som er opprettet av artister fra fortiden.
"Fenomen av ansiktsbehandling og vaser med frukt på kysten"
En gang i begynnelsen var det allerede på maleri, hvor den optiske illusjonen ble et integrert element i sammensetningen, hvor, som i kunstnerens verk, var butikken, i stand til å vises samtidig av hodet på hodet , og bladene - for å bli en spurv på grenen, kan ikke glemmes om Salvador Dali. Denne spanjeren ble den første representanten for metamorfose-stilen i nærheten av surrealisme, som ble reflektert ikke bare i maleri og tidsplan for mesteren, men også i skulpturene skapt av ham.Privat interesse er et oljeskrevet lerret gitt med et merkelig navn "fenomenet ansikts- og vaser med frukt på kysten", helt, men reflekterer imidlertid essensen av transformasjon i bildet. Seeren ser det vanlige stillebenet ved første øyekast, hvor i midten av sammensetningen er det en hvit vase med frukt. Hennes ben ser plutselig som et groteskt anheng, men et vakkert menneskelig ansikt, på toppen av avgrenset eller hår, eller sandstranden, eller til og med fjelllakk med en by som ligger ved foten. Ser deg rundt, vil den oppmerksomme kjennetegnen av maleri finne et par hunder på lerretet.
Senere på "Metamorphosis-banen" i arbeidet, som ble kjent for surrealisme i sjangeren av surrealisme.
"Old Fisherman"
Så ikke anerkjent i Homeland Ungarns selvlærte kunstner TiVadar Kostnik Chongwari, som hørte gal på grunn av de oddities i å kommunisere og atferd, så vel som tendensen til asketikk, skrev det meste av hans liv i ekspresjonismenes styling. Imidlertid søkte han på sine egne kreasjoner og symbolismen fremover med mytisk surrealisme, og til magisk realisme.
Han skrev som landet, og den fantasifulle fantasien til uvanlige lerret, men ikke funnet en forståelse av den ungarske apoteket, som selvstendig forstod visdommen til den visuelle kunsten etter en plutselig illusjon, oppnådde ikke og ikke delte arbeidet.
Her er en gåte som er tapet i maleriet "Old Fisherman" skrevet i 1902 i 1902, har løst etter mesterens død. I begynnelsen av forrige århundre er det lite sannsynlig at noen måtte tenke på å knytte til lerretet med et bilde av en klebrig gammel mann, som fjernt som ligner på loslitt filin, et speil.
Men etter enkle manipulasjoner blir forfatterens ide en åpenbar idé: i hver person er det to start, både guddommelige og demoniske, og bare det avhenger av ham, hvilken side vil ta toppen i den uopphørlige kampen.
"Waterloo Bridge. Tåke effekt "
Nysgjerrige og originale verk vil bli funnet i den kreative sparken Bank of Claude Monet, som ble en av grunnleggerne av impressionismen og ikke kastet å skrive selv etter to operasjoner i øynene. Blant representanter for Genre of Monet, som ingen andre, søkte å oppnå den ytterste realismen av sine egne kreasjoner, fordi han betalte mye tid eksperimenter med ulike teknikere og visuelle teknikker, og oppnådde ønsket pålitelighet av visuelle effekter.Begrens realisme er også karakteristisk for sitt arbeid "Waterloo Bridge. Tåkeeffekt. " Som om i virkeligheten Overtwit-tett, ugjennomtrengelig for den dystre, seeren, nær den utseende klokken, kan det først ikke kunne demontere noe på det, bortsett fra smører påført av olje.
Bare ved å gjøre et par skritt tilbake, vil kjenneturen kunne oppdage forsvunnet gjennom den tåkete saboan-luft-luften og som om konturene gradvis skapt fra det piske meierifumet, gradvis foldet i en solid sammensetning. Her og fordelingen av London Bridge som strekker seg over Themsen, og den politiske tilstanden av vann, og glir langs den knapt merkbare silhuetter av båter, som symboliserer livets dynamikk i den frosne virkeligheten av maleriet.
"Night Terrace Cafe"
Som i tilfelle av den "gamle fiskeren", skjer det at den eksterne enkelheten i kunstneren skildrer på lerret senere, oppdager noe skjult, utilgjengelig ved første øyekast. Det skjedde med "Night Terrace Cafe", i september 1888, av Vincent van Gogh, de uvanlige maleriene som fortsatt omskrives med gouache og smør som ønsker å forstå forfatterens visuelle teknikker.
Nederlandskunstneren selv, som jobbet hovedsakelig i ettertrykksstilisten og kjent for sitt liv, ikke så mange malerier, som tvetydige handlinger (en av dem, antagelig, førte til sin død), tolererte ikke ordinært. Og i skapelsen skapte Van Gogh også i en enkel, da det virker som betrakteren, sammensetningen for å unngå banalitet.
"Night Terrace of a Cafe", der første kunsthistorikere bare så effekten av lerretet "Avenue de Clichi om kvelden" Franskmann Louis Louis, selvfølgelig, skiller en fantastisk skriveteknikk. Tross alt, når du lager et bilde som skildrer natten, brukte van Gogh ikke en svart maling gram. Men det er bemerkelsesverdig ikke av det.
Senere, å studere sammensetningen, har forskerne lagt merke til referanser til den berømte Leonardo da Vinci "Last Supper". På skjult betydning, ifølge eksperter, indikerer som en merkelig tunika av servitøren i en kafé som står mot bakgrunnen for krysset av vindusrammen, og antall besøkende der det allerede er vanskelig å se 12 følgere av de religiøse læresetningene av Kristus.
Portrett av Maria Lopukhina
Blant alle slags mesterverk av den visuelle kunsten er det også de som har kjøpt statusstatusen ikke på grunn av de uvanlige former for gjenstander som vises på dem (som er tvunget til å lete etter en sann betydning i bildet en sann betydning og enestående Ide), og på grunn av rykterne relaterte rykter og legender. Et eksempel på et slikt kunstnerisk arbeid er bildet av Vladimir Borodinovsky, en russisk portrett som bodde i XVIII-XIX århundrer og vri sin venstre hånd i 1803 av Maria Lopukhin i 1803.Opprettet i 1797 av et medlem av Kunstakademiet, er lerretet eksternt lite i stand til å overraske. Er det imponerende realisme og portrett likhet. Men det er bemerkelsesverdig et bilde av dårlig herlighet som går rundt henne.
Så sa de at portretten til en vakker jente tar ungdommen til unge maids som så på ham, og til og med kjører inn i graven. Årsaken til feilen i etableringen, som sendte (i henhold til Salon Gossip) til lyset i det minste et dusin arving av edle navn, lette etter at han hadde hørt tegn på mystiske saker far Lopukhina, Ivan Tolstoy, administrert å skjerpe ånden til den avdøde datteren i lerret. Bare oppkjøpet av Pavel Tretyakov portrett til samlingen gjorde dårlige rykter til kjedelig.
"Lita elv, bekk"
Kreativiteten til Norges Edward Minka i 1863 ble fylt med motivene til ensomhet og døds toleranse, utrolig kombinert med det slående ønske om livet. Kunstnerens arbeid som inngår i den første tilhenger av ekspresjonisme, har gjentatte ganger blitt gjenstand for voldsom diskusjon og fordømmer kritikere og kolleger. Sammen med et mettet personlig liv, overflater på grunn av problemer i kjærlighetsforhold, førte det til en mulk i en psykiatrisk klinikk.
Kanskje det neste angrepet av den maniske depressive lidelsen, hvorfra forfatteren led, og ble reflektert i det mest berømte arbeidet - bildet "Creek". Dette lerretet, ifølge en rekke kjennere av kunst, etterlater et smertefullt inntrykk av uimotståelig håpløshet.
Ifølge legendene som går rundt dette arbeidet, kjempet alle mennesker, en eller annen måte å kontakte bildet, dårlig. Eiere angivelig ødelagt og døde. To museumsansatte døde (en begikk selvmord, og den andre falt under bilen) etter at Munk mesterpiece droppet. Også, en slags person som holdt i hans hender, dette kunstverket, brent levende bare hver annen dag.
"Apotheose of War"
Det er uvanlige malerier, som "skriket" av mocken nedsenking av betrakteren som ser på dem i triste tanker. De tvinger til å se og meningen at forfatteren ikke investerte i sin egen skapelse i det hele tatt. Så, de vanskelige følelsene er full og en person som ser på lerretet til den russiske kunstner-batalisten Vasily Vereshchagin "Apotheosis of War".
Maleren hadde ikke bare en rekke militære konflikter, som droppet ut det russiske imperiet i andre halvdel av XIX-tallet, men deltok også i kampklassier og ble skadet. Ja, og Vereshchagin døde, hvis kreativitet absorberte verdien av russiske soldater og offiserer, så vel som en stygge tragedie av væpnet slakting, under den russiske japanske krigen. Kunstneren eksploderte sammen med Petropavlovsk-slagskipet på fiendens gruve 13. april (ifølge en ny stil) på 1904.
"Apotheose of War", skaperen selv kalt "stilleben", som viser "død natur" med trist sarkasme. Temaet for død og fortvilelse, uendret med enhver krig, tydelig synlig i skallens sorg, tøffe i forgrunnen av bildet. I gule maling som reflekterer sårheten i sammensetningen. På stiv, fratatt levetiden til trær. I pinlig hva å bli vant til denne burift, hjørner. Og i den ødelagte byen, som er sett av en dum forkant til menneskeheten i krigene.
Men det er utrolig hvilke kunsthistorikere og kjennere som gjenkjenner, hvis det er lang tid å peer inn i lerretet, begynner dybden og følelsesmessigheten til bildet å trenge inn i seeren. Og for hver insisterert skalle, begynner han å se en separat krøllet skjebne, revet bort av andres vilje. Å bryte seg bort fra det "døde stilleben" med hvert minutt blir det bare vanskeligere.