En 2020, as paredes das casas están decoradas con pinturas, as obras mestras sorprendentes atópanse no asfalto nos parques de todo o mundo e o traballo de artistas que crean traballos sorprendentes no xénero de ilusión óptica. Un representante brillante da dirección é o pintor ucraniano Oleg Sheuplyak, cuxas creacións "cun dobre fondo" non se revelan de inmediato en completa gloria antes de mirar.
Pero non só os mestres modernos do pincel son capaces de alcanzar a imaxinación dos coñecedores da pintura polos seus propios traballos, porque a historia da arte visual coñece outros exemplos de curiosas obras mestras - misteriosas e francamente estrañas, as lendas envoltas ou forzando á xente a parecer o visto.
Nesta ocasión, os editores de 24 CMI dirán sobre as pinturas máis inusuales creadas polos artistas do pasado.
"Fenómeno de facial e vasos con froitas á beira do mar"
Unha vez ao comezo, xa estaba na pintura, na que a ilusión óptica converteuse nun elemento integral da composición, onde, como nas obras do artista, a tenda, a película era capaz de aparecer simultaneamente polos abrís da cabeza , e as follas - para converterse nun gorrión sobre a rama, non se pode esquecer de Salvador Dalí. Este español converteuse no primeiro representante do estilo de metamorfose próximo ao surrealismo, que se reflectiu non só na pintura e calendario do mestre, senón tamén nas esculturas creadas por el.O interese privado é unha lona por escrito por petróleo dada cun peculiar nome "fenómeno de facial e vasos con froitas á beira do mar", por completo, con todo, reflectindo a esencia da transformación na imaxe. O espectador ve a vida morta habitual a primeira vista, onde no centro da composición hai un vaso branco con froitas. A súa perna de súpeto aparece como un colgante grotesco, pero un fermoso rostro humano, encima de delineado ou pelo, ou a praia de area, ou incluso verniz de montaña cunha cidade situada ao pé. Mirando ao redor, o connotador atento da pintura atopará un par de cans na pantalla.
Máis tarde no "camiño da metamorfose" no traballo, o Oktavio Okampo mexicano, que se fixo famoso polo surrealismo no xénero do surrealismo.
"Old Pisherman"
Polo tanto, non recoñecido na patria húngara autodidacta artista Tivadar Kostnik Chongwari, que escoitou tolo por mor das excentricidades en comunicación e comportamento, así como a tendencia ao ascetismo, a maior parte da súa vida escribiu no stylistry do expresionismo. Con todo, el aplicou ás súas propias creacións e ao simbolismo por diante co mítico surrealismo e ao realismo máxico.
Escribiu como desembarco, ea imaxinación imaxinable de lenzos pouco comúns, pero non atopou unha comprensión do farmacéutico húngaro, que comprendía de forma independente a sabedoría da arte visual logo dunha repentina ilusión, non conseguiu e non compartía o traballo.
Aquí está un enigma gravado na pintura "Old Fisherman" escrito en 1902 en 1902, resolveu despois da morte do mestre. A principios do século pasado, é improbable que alguén teña que pensar que se une ao lenzo cunha imaxe dun vello pegajoso, que se asemella remotamente á filla de Shabby, un espello.
Pero despois de manipulacións simples, a idea do autor convértese nunha idea obvia: en cada persoa hai dous inicios, tanto divinos como demoníacos, e só depende del, que lado tomará a parte superior na incesante loita.
"Ponte de Waterloo. Efecto de néboa "
Os traballos curiosos e orixinais atoparanse no Creative Piggy Bank de Claude Monet, que se converteu nun dos fundadores do impresionismo e non xogaba a escribir mesmo despois de dúas operacións nos ollos. Entre os representantes do xénero de Monet, como ningún outro, buscou alcanzar o máximo realismo das súas propias creacións, porque pagou moitos experimentos de tempo con diversos técnicos e técnicas visuais, alcanzando a fiabilidade desexada dos efectos visuais.O realismo límite tamén é característico da súa obra "Waterloo Bridge. Efecto de néboa. " Como se, en realidade, overtwit-denso, impermeable ao sombrío, o espectador, preto do reloxo de aspecto, primeiro incapaz de desmontar nada nel, excepto as capturas aplicadas polo aceite.
Só facendo un par de pasos de volta, o connoisseur poderá detectar a desaparición a través do sabio-aire-aire-aire-aire e coma se os contornos creados gradualmente a partir da escuma leiteira batida, plegando gradualmente nunha composición sólida. Aquí e a distribución da ponte de Londres estendéndose sobre o Támesis eo estado político de auga, e deslizándose ao longo de que apenas se marcaban siluetas de embarcacións, que simbolizan a dinámica da vida na realidade conxelada da pintura.
"Night Terrace Cafe"
Como no caso do "antigo pescador", ocorre que a simplicidade externa do artista describe sobre a lona máis tarde detectar algo escondido, inaccesible a primeira vista. Pasou coa "Night Terrace Cafe", en setembro de 1888, por Vincent Van Gogh, as pinturas inusuales de que aínda reescriben con Gouache e Manteiga que desexan comprender as técnicas visuais do autor.
O propio artista de Países Baixos, que traballou principalmente no deseñadorismo e famoso pola súa vida, e non tantas pinturas, como accións ambiguas (unha das cales, presumiblemente, levou á súa morte), non toleraba ordinaria. E na creación de creación, Van Gogh tamén conseguiu de forma sinxela, xa que parece ao espectador, a composición para evitar a banalidade.
"A terraza nocturna dun café", na que os historiadores de arte inicial viron só o efecto da lona "Avenida de Clichi á noite" Frenchman Louis Louis, por suposto, distingue unha incrible técnica de escritura. Despois de todo, ao crear unha imaxe que representa a noite, Van Gogh non usou un gramo de pintura negra. Pero non hai que destacar por iso.
Máis tarde, estudando a composición, os investigadores notaron referencias ao famoso Leonardo da Vinci "Last Supper". En sentido oculto, segundo os expertos, indica como unha túnica estraña do camareiro nun café de pé contra o fondo do cruzamento do marco da xanela, eo número de visitantes nos que xa é difícil ver 12 seguidores das ensinanzas relixiosas de Cristo.
Retrato de María Lopukhina
Entre todo tipo de obras mestras da arte visual, tamén hai aqueles que adquiriron o estado de estado non debido ás formas pouco comúns de elementos que se amosan (que están obrigados a buscar un verdadeiro significado na imaxe dun verdadeiro significado e un excelente significado idea), e por mor dos rumores e lendas relacionadas cos rumores. Un exemplo de tal traballo artístico é a imaxe de Vladimir Borodinovsky, un retratista ruso que viviu nos séculos XVIII-XIX e que a man esquerda en 1803 por Maria Lopukhin en 1803.Creado en 1797 por un membro da Academia Imperial de Artes, o lenzo externamente pouco é capaz de sorprender. É ese impresionante realismo e similitud retrato. Pero hai que destacar unha imaxe de mala gloria camiñando por ela.
Entón, dixeron que o retrato dunha fermosa moza leva a mocidade das criadas novas que o miraban, e mesmo conduce á tumba. O motivo do mal funcionamento da creación, que enviou (segundo o salón de chismes) á luz polo menos unha ducia de herdeira dos nomes nobres, buscaba o feito de que tiña oído o sinal do pai de asuntos místicos Lopukhina, Ivan Tolstoy, xestionado Para afinar o espírito da falecida filla de lona. Só a adquisición de Pavel Tretyakov Retrato á colección fixo malos rumores para aburrirse.
"Creek"
A creatividade do Noruego Edward Minka en 1863 estaba chea de motivos de soidade e tolerancia á morte, combinada sorprendentemente co sorprendente desexo de vida. O traballo do artista incluído nos primeiros adeptos do expresionismo volveuse repetidamente o tema da discusión feroz e condenar críticas e colegas. Xunto cunha vida persoal saturada, abundan tensións debido a problemas de relación na relación amorosa, levou a unha mulca a unha clínica psiquiátrica.
Quizais o próximo ataque do trastorno maníaco-depresivo, desde o que o autor sufriu, e foi reflectido no traballo máis famoso: a imaxe "Creek". Esta lona, segundo unha serie de coñecedores de arte fino, deixa unha impresión dolorosa de irressistíbel desesperada.
Segundo as lendas camiñando por este traballo, todas as persoas, dun xeito ou outro contactando coa imaxe, loitaron mal. Propietarios presuntamente arruinados e morreron. Dous empregados do museo morreron (un suicidio comprometido e o outro caeu baixo o coche) despois de que a obra mestra caeu. Ademais, algún tipo de persoa que mantivo nas mans esta obra de arte, queimada viva só todos os días.
"Apoteose da guerra"
Hai pinturas inusuales, como o "grito" do burro inmerso ao espectador que os mira en pensamentos tristes. Forzan a ver e o significado que o autor non investiu na súa propia creación en absoluto. Así, os sentimentos difíciles están borrachos e unha persoa que mira a lona do artista ruso-Batalista Vasily Vereshchagin "apoteoseose da guerra".
O pintor non só tiña unha serie de conflitos militares, o que deixou o Imperio ruso na segunda metade do século XIX, pero tamén participou en tristes de combate e resultou ferido. Si, e Vereshchagin morreu, cuxa creatividade absorbeu o valor dos soldados e oficiais rusos, así como unha traxedia desagradable do sacrificio armado, durante a guerra ruso-xaponesa. O artista estoupou xunto co acoirazado Petropavlovsk sobre a mina inimiga o 13 de abril (segundo un novo estilo) de 1904.
"Apotheosis of War", o propio creador chamou "Still Life", que mostra "Dead Nature" con Sad Sarcasmo. O tema da morte e a desesperación, inalterada con calquera guerra, claramente visible na pena de cráneos, a mancha en primeiro plano da imaxe. En pinturas amarelas que reflicten a dor da composición. En ríxida, privada da vida das árbores. En embaraçar o que se acostumar a esta burift, esquinas. E na cidade destruída, que é visto por un reproche mudo para a humanidade nas guerras.
Pero é sorprendente que os historiadores de arte e os coñecedores recoñecen, se hai moito tempo para parecer o lenzo, a profundidade e a emoción da imaxe comezan a penetrar dentro do espectador. E para cada cranio insistido, comeza a ver un destino separado, desgarrado por calquera outra persoa. Para afastarse da "vida morta" con cada minuto, só se fai máis difícil.