En 2020, les murs des maisons sont décorés de peintures, des chefs-d'œuvre étonnants se trouvent sur l'asphalte dans les parcs du monde entier et le travail d'artistes qui créent des œuvres incroyables dans le genre d'illusion optique. Un représentant lumineux de la direction est le peintre ukrainien Oleg Sheupplyak, dont les créations "avec un double fond" ne sont pas immédiatement révélées dans la gloire complète avant de regarder.
Mais non seulement les maîtres modernes de la brosse sont capables de frapper l'imagination des connaisseurs de peinture par leurs propres œuvres, car l'histoire de l'art visuel connaît d'autres exemples de chefs-d'œuvre curieux - mystérieux et franchement étrange, des légendes enveloppées ou forçant les gens à regarder de pair le vu.
Cette fois, les éditeurs de 24 cmi raconteront les peintures les plus inhabituelles créées par les artistes du passé.
"Phénomène de facial et de vases avec des fruits sur le bord de la mer"
Une fois au début, c'était déjà sur la peinture, dans laquelle l'illusion d'optique est devenue un élément intégral de la composition, où, comme dans les œuvres de l'artiste, le magasin, le film était capable d'apparaître simultanément par les abris de la tête et les feuilles - se transformer en moineau sur la branche, ne peuvent pas être oubliés à propos de Salvador Dali. Cet Espagnol est devenu le premier représentant du style de métamorphose proche du surréalisme, qui se reflétait non seulement dans la peinture et le calendrier du maître, mais également dans les sculptures créées par lui.L'intérêt privé est une toile écrite sur le pétrole donné avec un nom particulier "phénomène de facial et de vases avec des fruits sur le bord de la mer", totalement, cependant, reflétant l'essence de la transformation sur la photo. Le spectateur voit la nature morte habituelle à première vue, où au centre de la composition se trouve un vase blanc avec des fruits. Sa jambe apparaît soudainement comme un pendentif grotesque, mais un beau visage humain, sur des cheveux délimités ou des cheveux, ou la plage de sable, voire vernis de montagne avec une ville située au pied. En regardant autour de lui, le connaisseur attentionné de la peinture trouvera quelques chiens sur la toile.
Plus tard, sur le "chemin de métamorphose" dans le travail, Mexican Oktavio Okampo, devenu célèbre pour le surréalisme dans le genre du surréalisme.
"Vieux pêcheur"
Donc, pas reconnu dans l'artiste Homeland Hongrois Hongrois Tivadar Kostnik Chongwari, qui a entendu fou à cause des bizarreries de communication et de comportement, ainsi que de la tendance à l'ascèse, la majeure partie de sa vie écrivit dans la stylie de l'expressionnisme. Cependant, il s'appliqua à ses propres créations et au symbolisme devant le surréalisme mythique et au réalisme magique.
Il a écrit comme atterri et l'imagination imaginable de toiles inhabituelles, mais pas de comprendre le pharmacien hongrois, qui comprit indépendamment la sagesse de l'art visuel après une illusion soudaine, n'a pas réussi et n'a pas partagé le travail.
Voici une énigme enregistrée dans la peinture «Vieux pêcheur» écrit en 1902 en 1902, ont été résolus après la mort du maître. Au début du siècle dernier, il est peu probable que quiconque fasse une pensée pour attacher à la toile avec une photo d'un vieil homme collant, ressemblant à distance à la filine minable, un miroir.
Mais après des manipulations simples, l'idée de l'auteur devient une idée évidente: dans chaque personne, il y a deux débuts, à la fois divin et démoniaques, et seulement cela dépend de lui, de quel côté prendra le sommet dans la lutte incessante.
"Pont de Waterloo. Effet de brouillard "
Des œuvres curieuses et originales seront trouvées dans la piggye créative de Claude Monet, qui est devenue l'un des fondateurs de l'impressionnisme et ne jette pas à écrire même après deux opérations dans les yeux. Parmi les représentants du genre de Monet, n'a pas cherché à atteindre le plus grand réalisme de leurs propres créations, car il a payé de nombreuses expériences de temps avec divers techniciens et techniques visuelles, atteignant la fiabilité souhaitée des effets visuels.Limiter le réalisme est également caractéristique de son travail "Waterloo Bridge. Effet de brouillard. " Comme si dans la réalité dépassée - dense - imperméable à la sombre, le spectateur, près de l'horloge à la recherche, d'abord incapable de démonter quoi que ce soit, à l'exception des frottis appliqués par l'huile.
Seulement en faisant quelques marches en arrière, le connaisseur sera capable de détecter la disparition à travers le saboan-air brumeux et comme si les contours créés progressivement à partir de la mousse laitière fouettée, pliant progressivement dans une composition solide. Ici et la distribution du pont de Londres s'étend sur la Tamise et l'état de l'eau politique et glissaient le long de ses silhouettes de bateaux à peine perceptibles, symbolisant la dynamique de la vie dans la réalité gelée de la peinture.
"Nuit Terrace Cafe"
Comme dans le cas du "vieux pêcheur", il arrive que la simplicité externe de l'artiste représente sur toile dettraper quelque chose de caché, inaccessible à première vue. C'est arrivé avec le "Night Terrace Cafe", en septembre 1888, par Vincent van Gogh, dont les peintures inhabituelles qui réécrivent encore avec gouache et beurre souhaitant comprendre les techniques visuelles de l'auteur.
L'artiste néerlandais lui-même, qui travaillait principalement dans la styliste postpressionisme et célèbre pour sa vie, pas tant de peintures, comme des actions ambiguës (dont une, vraisemblablement conduit à sa mort), n'a pas toléré ordinaire. Et dans la création de création, Van Gogh a également géré dans un simple, comme il semble que le spectateur, la composition pour éviter la banalité.
"La nuit terrasse d'un café", dans laquelle les historiens d'art initiaux ont vu uniquement l'effet de la toile "Avenue de Clichi dans la soirée" Frenchman Louis Louis, bien sûr, distingue une technique d'écriture étonnante. Après tout, lors de la création d'une image décrivant la nuit, Van Gogh n'a pas utilisé de gramme de peinture noire. Mais il est remarquable pas par là.
Plus tard, étudie la composition, les chercheurs ont remarqué des références au célèbre Leonardo da Vinci "dernier souper". Au sens caché, selon les experts, indique une étrange tunique du serveur dans un café debout contre le fond de la traversée du cadre de la fenêtre et le nombre de visiteurs dans lesquels il est déjà difficile de voir 12 adeptes des enseignements religieux de Christ.
Portrait de Maria Lopukhina
Parmi toutes sortes de chefs-d'œuvre de l'art visuel, il existe également ceux qui ont acquis le statut de statut non due aux formes inhabituelles d'éléments affichés sur eux (qui sont obligés de rechercher une vraie signification dans l'image un vrai sens et un sens exceptionnel idée), et à cause des rumeurs et des légendes liées aux rumeurs. Un exemple d'un tel travail artistique est l'image de Vladimir Borodinovsky, un portraitiste russe qui vivait dans les XVIII-XIXIX siècles et t'a remporté sa main gauche en 1803 par Maria Lopukhin en 1803.Créé en 1797 par un membre de l'Académie impériale des arts, la toile externe de l'extérieur est capable de surprendre. Est-ce un réalisme impressionnant et une similitude de portrait. Mais il est remarquable qu'une image de mauvaise gloire se promène autour d'elle.
Ils ont donc dit que le portrait d'une belle fille emmène la jeunesse de jeunes femmes de ménage qui l'a regardée et conduit même dans la tombe. La raison du dysfonctionnement de la création, qui a envoyé (selon le salon Gossip) à la lumière au moins une douzaine d'héritiers de nobles noms, cherchait le fait qu'il avait entendu le signe des affaires mystiques Père Lopukhina, Ivan Tolstoï, géré aiguiser l'esprit de la fille décédée en toile. Seule l'acquisition de Pavel Tretyakov Portrait à la collection a rendu de mauvaises rumeurs à terne.
"Ruisseau"
La créativité de la norvégienne Edward Minka en 1863 était remplie de motivation de la solitude et de la tolérance à la mort, étonnamment combinée au désir frappant de la vie. Les travaux de l'artiste inclus dans les premiers adhérents de l'expressionnisme sont devenus l'objet d'une discussion féroce et condamnent des critiques et des collègues. Avec une vie personnelle saturée, des stress abondants en raison de problèmes de relation amoureuse, il a conduit à un mulk dans une clinique psychiatrique.
Peut-être la prochaine attaque du trouble dépressif maniaque, à partir de laquelle l'auteur a souffert et se reflétait dans le travail le plus célèbre - la photo "Creek". Cette toile, selon un certain nombre de connaisseurs de l'art, laisse une impression douloureuse de désespoir irrésistible.
Selon les légendes, se promenant autour de ce travail, toutes les personnes, d'une manière ou d'une autre en contact avec la photo, combattu mal. Les propriétaires auraient ruiné et sont morts. Deux employés du musée sont morts (un suicide engagé et l'autre est tombé sous la voiture) après que le chef-d'œuvre mundique a chuté. En outre, une sorte de personne qui a gardé dans ses mains cette œuvre d'art, brûlée vivante tout autant tous les deux jours.
"Apothéose de la guerre"
Il y a des peintures inhabituelles, comme le "cris" de la simulation immergeant le spectateur qui les regarde dans des pensées tristes. Ils forcent à voir et au sens que l'auteur n'a pas investi dans sa propre création du tout. Donc, les sentiments difficiles sont ivres et une personne qui regarde la toile de l'artiste russe-bataliste Vasily Vereshchagin "Apothéose de la guerre".
Le peintre a non seulement eu un certain nombre de conflits militaires, qui ont chuté l'empire russe dans la seconde moitié du XIXe siècle, mais ont également participé à des clasions de combat et ont été blessés. Oui, et la Vereshchagin est morte, dont la créativité a absorbé la valor des soldats et des officiers russes, ainsi qu'une tragédie disgracieuse de l'abattage armé, pendant la guerre russe-japonaise. L'artiste a explosé avec le cuirassé de Petropavlovsk sur la mine ennemie le 13 avril (selon un nouveau style) de 1904.
"Apothéose de la guerre", le Créateur lui-même appelé "nature morte", qui affiche "nature morte" avec sarcasme triste. Le thème de la mort et du désespoir, inchangé avec une guerre, clairement visible dans le chagrin des crânes, dominant au premier plan de la photo. Dans les peintures jaunes reflétant la douleur de la composition. Sui raide, privé de la vie des arbres. En embarrassant de quoi s'habituer à cette marchandise, coins. Et dans la ville détruite, qui est vue par un reproche muet à l'humanité dans les guerres.
Mais il est incroyable des historiens de l'art et des connaisseurs reconnaissent, s'il y a beaucoup de temps à regarder dans la toile, la profondeur et l'émotion de la photo commencent à pénétrer à l'intérieur du spectateur. Et pour chaque crâne insistant, il commence à voir un destin cariété séparé, déchiré par la volonté de quelqu'un d'autre. S'éloigner de la "vie morte morte" avec chaque minute, cela ne devient que plus difficile.