En 2020, las paredes de las casas están decoradas con pinturas, se encuentran increíbles obras maestras en el asfalto en los parques de todo el mundo, y la obra de artistas que crean obras increíbles en el género de la ilusión óptica. Un brillante representante de la dirección es el pintor ucraniano Oleg Sheuplyak, cuyas creaciones "con un doble inferior" no se revelan de inmediato en completa gloria antes de mirar.
Pero no solo los maestros modernos del cepillo pueden golpear la imaginación de los conocedores de pintura por sus propias obras, porque la historia del arte visual conoce otros ejemplos de letras maestras curiosas: leyendas misteriosas y francamente extrañas, envueltas o obligando a las personas a mirar lo visto
Esta vez, los editores de 24cmi hablarán sobre las pinturas más inusuales creadas por los artistas del pasado.
"Fenómeno de facial y jarrones con fruta en la orilla del mar"
Una vez al principio, ya estaba en la pintura, en la que la ilusión óptica se convirtió en un elemento integral de la composición, donde, como en las obras del artista, la tienda, la película era capaz de aparecer simultáneamente por el Abris de la cabeza. , y las hojas, para convertir en un gorrión en la rama, no se pueden olvidar sobre Salvador Dali. Este español se convirtió en el primer representante del estilo de metamorfosis cerca del surrealismo, que se reflejó no solo en la pintura y el horario del maestro, sino también en las esculturas creadas por él.El interés privado es un lienzo escrito al petróleo dado con un nombre peculiar "fenómeno de facial y jarrones con frutos en la orilla del mar", completamente, sin embargo, reflejando la esencia de la transformación en la imagen. El espectador ve la naturaleza habitual a primera vista, donde en el centro de la composición hay un jarrón blanco con fruta. Su pierna aparece de repente como un colgante grotesco, pero una cara humana hermosa, encima del delineado o el cabello, o la playa de arena, o incluso el barniz de montaña con una ciudad ubicada al pie. Mirando a su alrededor, el atento conocedor de la pintura encontrará un par de perros en el lienzo.
Más tarde, en el "camino de metamorfosis" en el trabajo, mexicano Oktavio Okampo, que se hizo famoso por el surrealismo en el género del surrealismo.
"Pescador viejo"
Así que no se reconoce en el artista autodidacta húngaro de la patria, Tivadar Kostnik Chongwari, quien escuchó loca por las rarezas en la comunicación y el comportamiento, así como la tendencia al ascetismo, la mayor parte de su vida escribió en el estilizador del expresionismo. Sin embargo, se aplicó a sus propias creaciones y al simbolismo por delante con el surrealismo mítico, y al realismo mágico.
Escribió como aterrizó, y la imaginación imaginable de lienzos inusuales, pero no encontró una comprensión del farmacéutico húngaro, que comprendió de manera independiente la sabiduría del arte visual después de una ilusión repentina, no logró y no comparte el trabajo.
Aquí hay un enigma grabado en el "Pescador viejo" escrito en 1902 en 1902, se resolvió después de la muerte del Maestro. A principios del siglo pasado, es poco probable que alguien tenga que pensar en un pensamiento para adjuntar al lienzo con una imagen de un anciano pegajoso, que se asemeja de forma remota el filin Shabby, un espejo.
Pero después de las manipulaciones simples, la idea del autor se convierte en una idea obvia: en cada persona hay dos aperturas, tanto divinas como demoníacas, y solo depende de él, de qué lado tomará la cima en la lucha incesante.
"Puente de Waterloo. Efecto de la niebla "
Las obras curiosas y originales se encontrarán en la hucha creativa de Claude Monet, que se convirtió en uno de los fundadores del impresionismo y no lanzando para escribir incluso después de dos operaciones en los ojos. Entre los representantes del género de Monet, como ninguna otra, buscó lograr el mayor realismo de sus propias creaciones, porque pagó mucho tiempo experimentos con diversos técnicos y técnicas visuales, logrando la confiabilidad deseada de los efectos visuales.El límite del realismo también es característico de su trabajo "Waterloo Bridge. Efecto de niebla ". Como si en realidad, denso, impermeable a la sombría, el espectador, cerca del reloj de aspecto, primero incapaz de desmontar nada, excepto por los frotis aplicados por el aceite.
Solo al devolver un par de pasos, el conocedor podrá detectar la desaparición a través del niebla de Saboan-Aire-Air y, como si los contornos creara gradualmente a partir de la espuma lechera batida, doblando gradualmente en una composición sólida. Aquí y la distribución del puente de Londres que se extiende sobre el Támesis, y el estado político de agua, y deslizándose a lo largo de ella. Siluetas apenas notables de botes, que simbolizan la dinámica de la vida en la realidad congelada de la pintura.
"Night Terrace Cafe"
Como en el caso del "Pescador viejo", sucede que la simplicidad externa del artista representa al lienzo más tarde detectar algo oculto, inaccesible a primera vista. Ocurrió con la "cafetería de la terraza nocturna", en septiembre de 1888, por Vincent van Gogh, cuyas pinturas inusuales cuyas se vuelven a escribir con gouache y mantequilla que desean comprender las técnicas visuales del autor.
El propio artista de los Países Bajos, que trabajó principalmente en el estilista del postpressionismo y famoso por su vida, no tantas pinturas, ya que las acciones ambiguas (una de las cuales, presumiblemente, llevaron a su muerte), no toleró ordinario. Y en la creación de creación, Van Gogh también logró en un simple, ya que parece al espectador, la composición para evitar la banalidad.
"La terraza nocturna de un café", en la que los historiadores de arte iniciales solo vieron el efecto del lienzo "Avenue de Clichi en la noche" Frenchman Louis Louis, por supuesto, distingue una técnica de escritura increíble. Después de todo, al crear una imagen que representa la noche, Van Gogh no usó un gramo de pintura negra. Pero es notable no por eso.
Más tarde, estudiando la composición, los investigadores han notado referencias a la famosa Leonardo da Vinci "La última cena". En el significado oculto, según los expertos, indica como una extraña túnica del camarero en un café de pie contra el fondo del cruce del marco de la ventana, y el número de visitantes en los que ya es difícil ver 12 seguidores de las enseñanzas religiosas. de Cristo.
Retrato de maria lopukhina
Entre todo tipo de obras maestras del arte visual, también hay aquellos que han adquirido el estado de estado no debido a las formas inusuales de los elementos que se muestran (que se ven obligados a buscar un verdadero significado en la imagen un verdadero significado y un destacado Idea), y debido a los rumores y leyendas relacionadas con los rumores. Un ejemplo de un trabajo tan artístico es la imagen de Vladimir Borodinovsky, un retratista ruso que vivió en los siglos XVIII-XIX y enviando su mano izquierda en 1803 por Maria Lopukhin en 1803.Creado en 1797 por un miembro de la Academia Imperial de las Artes, el lienzo externamente poco es capaz de sorprender. Es ese impresionante realismo y similitud retrato. Pero es notable una imagen de mala gloria que camina a su alrededor.
Entonces, dijeron que el retrato de una hermosa niña lleva a la juventud de las criadas jóvenes que lo miraron, e incluso conducen a la tumba. La razón del mal funcionamiento de la creación, que envió (según el chisme de salón) a la luz, al menos una docena de heredes de nombres nobles, estaba buscando el hecho de que había escuchado el signo de los asuntos místicos, el padre Lopukhina, Ivan Tolstoy, logró Para afilar el espíritu de la hija fallecida en lienzo. Solo la adquisición de Pavel Tretyakov Retrato a la colección hizo malos rumores para aburrir.
"Cala"
La creatividad del noruego Edward Minka en 1863 se llenó de los motivos de la soledad y la tolerancia a la muerte, se combinó con el deseo sorprendente de la vida. El trabajo del artista incluido en los primeros partidos del expresionismo se ha convertido repetidamente en el tema de una discusión feroz y condenas críticas y colegas. Junto con una vida personal saturada, abundante sunses debido a problemas en la relación de amor, condujo a un Mulk en una clínica psiquiátrica.
Quizás el siguiente ataque del trastorno maníaco-depresivo, de donde sufrió el autor, y se reflejó en el trabajo más famoso, la imagen "Creek". Este lienzo, según una serie de conocedores de bellas artes, deja una impresión dolorosa de desesperanza irresistible.
Según las leyendas que caminan por este trabajo, todas las personas, de una manera u otra contactan con la imagen, lucharon mal. Los propietarios supuestamente arruinaron y murieron. Dos empleados de los museos murieron (uno comprometido suicidio, y el otro cayó debajo del automóvil) después de que la obra maestra de MUNK cayera. Además, algún tipo de persona que guardó en sus manos esta obra de arte, quemada con vida solo cada dos días.
"Apoteosis de la guerra"
Hay pinturas inusuales, como el "grito" de la burla que sumerge al espectador que los mira en pensamientos tristes. Fuerzan a ver y el significado de que el autor no invirtió en su propia creación en absoluto. Entonces, los sentimientos difíciles están borrachos y una persona que mira el lienzo del artista ruso, el batalista Vasily Vereshagin "Apotheosis of War".
El pintor no solo tenía una serie de conflictos militares, que abandonaron el imperio ruso en la segunda mitad del siglo XIX, sino que también participaron en las clases de combate y se lesionó. Sí, y Murió Vereshchagin, cuya creatividad absorbió el valor de los soldados y oficiales rusos, así como una tragedia antiestética de la matanza armada, durante la guerra rusa-japonesa. El artista explotó junto con el acorazado de Petropavlovsk en la mina enemiga el 13 de abril (según un nuevo estilo) de 1904.
"Apoteosis de la guerra", el propio creador llamó "naturaleza muerta", que muestra "naturaleza muerta" con sarcasmo triste. El tema de la muerte y la desesperación, sin cambios con cualquier guerra, claramente visible en el dolor de los cráneos, que se eleva en el primer plano de la imagen. En pinturas amarillas que reflejan el dolor de la composición. En rígido, privado de la vida de los árboles. A vergonzoso qué acostumbrarse a este Burift, esquinas. Y en la ciudad destruida, que es vista por un reproche mudo a la humanidad en las guerras.
Pero es increíble qué reconocen los historiadores de arte y los conocedores, si hay mucho tiempo para mirar al lienzo, la profundidad y la emocionalidad de la imagen comienzan a penetrar dentro del espectador. Y para cada calavera insistentada, comienza a ver un destino pareado por separado, destrozado por la voluntad de otra persona. Para separarse de la "muerta muerta" con cada minuto, solo se vuelve más difícil.