I 2020 er hustruernes vægge dekoreret med malerier, fantastiske mesterværker findes på asfalten i parkerne rundt om i verden, og kunstnerens arbejde, der skaber fantastiske værker i genren af optisk illusion. En lys repræsentant for retningen er den ukrainske maler Oleg Sheuplyak, hvis kreationer "med en dobbelt bund" ikke straks afsløres i fuldstændig herlighed, før de ser ud.
Men ikke kun moderne mestere af børsten er i stand til at ramme fantasien hos kenderne af maleri af deres egne værker, fordi historien om den visuelle kunst kender andre eksempler på nysgerrige mesterværker - mystisk og ærligt mærkeligt, indhyllet legender eller tvinger folk til at peer i den set.
Denne gang vil redaktørerne på 24cmi fortælle om de mest usædvanlige malerier, der er skabt af fortidens kunstnere.
"Fænomenet ansigt og vaser med frugt på kysten"
En gang i begyndelsen var det allerede på maleri, hvor den optiske illusion blev et integreret element i sammensætningen, hvor butikken, som i kunstnerens værker var i stand til at fremstå samtidig af hovedets Abris , og bladene - at blive til en sparrow på grenen, kan ikke glemmes om Salvador Dali. Denne spaniard blev den første repræsentant for metamorfose stil tæt på surrealisme, som blev afspejlet ikke kun i maling og planlægning af mesteren, men også i skulpturerne skabt af ham.Privat interesse er et oliebeskyttet lærred givet med et ejendommeligt navn "fænomen af ansigtsbehandling og vaser med frugter på kysten", fuldstændigt, hvilket afspejler essensen af transformation på billedet. Seeren ser det sædvanlige stilleben ved første øjekast, hvor der i midten af sammensætningen er en hvid vase med frugt. Hendes ben vises pludselig som et groteskt vedhæng, men et smukt menneskeligt ansigt på toppen af afgrænset eller hår eller sandstranden eller endda bjerglak med en by beliggende ved foden. Kigger rundt, vil den opmærksomme connoisseur af maleri finde et par hunde på lærredet.
Senere på "metamorfosevejen" i arbejdet, var Mexican Oktavio Okampo, som blev berømt for surrealisme i genren af surrealisme.
"Old Fisherman"
Så ikke anerkendt i Homeland Ungarsk selvlærende kunstner Tivadar Kostnik Chongwari, der hørte skøre på grund af oddities i at kommunikere og adfærd, såvel som tendensen til asketik, skrev det meste af hans liv i stilskabet. Han ansøgte imidlertid på sine egne kreationer og til symbolikken fremad med mytisk surrealisme og til magisk realisme.
Han skrev som landet og den fantasifulde fantasi af usædvanlige lærred, men ikke fundet en forståelse for den ungarske farmakist, der selvstændigt blev forstået visdom af den billedkunst efter en pludselig illusion, opnåede ikke og ikke delte arbejdet.
Her er en gåde tapet i maleriet "Old Fisherman" skrevet i 1902 i 1902, har løst efter mesterens død. I begyndelsen af det sidste århundrede er det usandsynligt, at nogen skulle tænke på at vedhæfte til lærredet med et billede af en klæbrig gammel mand, der ligner den lurvede filin, et spejl.
Men efter simple manipulationer bliver forfatterens idé en åbenbar ide: I hver person er der to starter, både guddommelige og dæmoniske, og kun det afhænger af ham, hvilken side vil tage toppen i den uophørlige kamp.
"Waterloo Bridge. Tåge effekt "
Nysgerrige og originale værker findes i Claude Monet's kreative spargy Bank, som blev en af grundlæggerne af impressionisme og ikke smider for at skrive selv efter to operationer i øjnene. Blandt repræsentanterne for Monet-genren, som ingen andre, søgte at opnå den største realisme af deres egne kreationer, fordi han betalte mange tidsforsøg med forskellige teknikere og visuelle teknikker, opnåede den ønskede pålidelighed af visuelle effekter.Begræns realisme er også karakteristisk for hans arbejde "Waterloo Bridge. Tåge effekt. " Som om i virkeligheden overtur-tæt, uigennemtrængelig for den dystre, seeren, nær udseende uret, kan først ikke demontere noget på det, bortset fra udsmykning, der anvendes af olie.
Kun ved at lave et par trin tilbage, vil kenderne være i stand til at opdage forsvinden gennem den tåget saboan-luft-luft, og som om de konturer gradvist oprettes fra det piskede mejerium, gradvist foldes i en solid sammensætning. Her og fordelingen af London Bridge strækker sig over Themsen og den politiske tilstand af vand og glider langs den næppe mærkbare silhuetter af både, der symboliserer livets dynamik i den frosne virkelighed af maleriet.
"Night Terrace Cafe"
Som i tilfældet med den "gamle fisker" sker det, at kunstnerens eksterne enkelhed skildrer på lærredet senere opdager noget skjult, utilgængeligt ved første øjekast. Det skete med "Night Terrace Cafe", i september 1888, af Vincent van Gogh, hvis usædvanlige malerier stadig omskriver med gouache og smør, der ønsker at forstå forfatterens visuelle teknikker.
Den nederlandske kunstner selv, der hovedsagelig arbejdede i postpressionsmassen og berømt for sit liv, ikke så mange malerier, som tvetydige handlinger (hvoraf den ene formodentlig førte til hans død), tolererede ikke ordinært. Og i skabelsen skabte Van Gogh også i en enkel, da det ser ud til seeren, sammensætningen for at undgå banalitet.
"Natterrassen af en cafe", hvor indledende kunsthistorikere kun så effekten af lærredet "Avenue de Clichi om aftenen" Frenchman Louis Louis, skelner selvfølgelig en fantastisk skrive teknik. Når alt kommer til alt, da vi skaber et billede, der skildrer natten, brugte Van Gogh ikke en sort maling gram. Men det er bemærkelsesværdigt ikke af det.
Senere, at studere sammensætningen har forskerne bemærket referencer til den berømte Leonardo da Vinci "Last Supper". Ved skjult betydning angiver ifølge eksperter som en mærkelig tunika af tjeneren i en cafe, der står på baggrund af krydset af vinduesrammen, og antallet af besøgende, hvor det allerede er svært at se 12 tilhængere af de religiøse lære af Kristus.
Portræt af Maria Lopukhina
Blandt alle mulige mesterværker af den billedkunst er der også dem, der har erhvervet statusstatus ikke på grund af de usædvanlige former for elementer, der vises på dem (som er tvunget til at se efter en ægte betydning i billedet en sand betydning og en fremragende betydning ideen), og på grund af de rygter-relaterede rygter og legender. Et eksempel på et sådant kunstnerisk arbejde er billedet af Vladimir Borodinovsky, en russisk portrætist, der boede i XVIII-XIX århundreder og vred hans venstre hånd i 1803 af Maria Lopukhin i 1803.Oprettet i 1797 af et medlem af Imperial Academy of Arts, er lærredet eksternt lille i stand til at overraske. Er den imponerende realisme og portræt lighed. Men det er bemærkelsesværdigt et billede af dårlig herlighed, der går rundt om hende.
Så de sagde, at portræt af en smuk pige tager ungdommen af unge piger, der så på ham, og endda driver ind i graven. Årsagen til funktionsfejlen i oprettelsen, der sendte (ifølge salon sladder) til lyset i det mindste et dusin arving af ædle navne, var på udkig efter, at han havde hørt tegn på mystiske anliggender far Lopukhina, Ivan Tolstoy, formået at skærpe ånden i den afdøde datter i lærredet. Kun erhvervelsen af Pavel Tretyakov portræt til samlingen gjorde dårlige rygter til kedeligt.
"Creek"
Kreativiteten af den norske Edward Minka i 1863 var fyldt med motiver af ensomhed og dødstolerance, forbavsende kombineret med det slående ønske om livet. Kunstnerens arbejde, der indgår i ekspressionsmedlemmernes første tilhængere, er gentagne gange blevet genstand for hård diskussion og fordømmer kritikere og kolleger. Sammen med et mættet personligt liv, overflod af stress på grund af problemer i kærlighedsforhold, førte det til en MULK i en psykiatrisk klinik.
Måske det næste angreb af den maniske-depressive lidelse, hvorfra forfatteren led og afspejlet i det mest berømte arbejde - billedet "Creek". Dette lærred, ifølge en række konnoisseurs af kunst, efterlader et smertefuldt indtryk af uimodståelig håbløshed.
Ifølge legenderne, der går rundt om dette arbejde, kæmpede alle mennesker, en eller anden måde, der kontakter billedet, dårligt. Ejere angiveligt ødelagt og døde. To museumsmedarbejdere døde (en begået selvmord, og den anden faldt under bilen), efter at Munk Masterpiece faldt. Også en slags person, der holdt i hans hænder dette kunstværk, brændte live lige hver anden dag.
"Apotheose of War"
Der er usædvanlige malerier, som "scream" af mocket, der fordyber seeren, der ser på dem i triste tanker. De tvinger til at se, og den betydning, som forfatteren ikke investerer i sin egen skabelse overhovedet. Så de vanskelige følelser er fuld og en person, der ser på lærredet af den russiske kunstner-batalist Vasily Verhchagin "Apotheose of War".
Maleren havde ikke kun en række militære konflikter, der faldt det russiske imperium i anden halvdel af XIX århundrede, men deltog også i kampklasioner og blev såret. Ja, og VerhChagin døde, hvis kreativitet absorberede den russiske soldaters og officerer, såvel som en uhyggelig tragedie af væbnet slagtning, under den russiske-japanske krig. Kunstneren eksploderede sammen med Petropavlovsk-slagskibet på fjendens min den 13. april (ifølge en ny stil) fra 1904.
"Apotheose of War", skaberen selv kaldte "stilleben", som viser "døde natur" med trist sarkasme. Temaet for død og fortvivlelse, uændret med nogen krig, tydeligt synlig i kraniernes sorg, tårnhøje i forgrunden af billedet. I gule maling afspejler sammensætningen af sammensætningen. I stiv, berøvet af træernes liv. I pinligt hvad man skal vænne sig til denne burift, hjørner. Og i den ødelagte by, som ses af en dumme beskyldning til menneskeheden i krigene.
Men det er fantastisk, hvad kunsthistorikere og kendetegn erkender, hvis der er lang tid at peer i lærredet, begynder dybden og følelsesløsheden af billedet at trænge ind i seeren. Og for hver insistered kraniet begynder han at se en separat forkrøbet skæbne, revet væk af en andens vilje. At bryde væk fra det "døde stilleben" med hvert minut bliver det kun vanskeligere.